优秀演员的表演技巧

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优秀演员的表演技巧

　　表演指在戏剧、舞蹈、杂技等演出中,把其中的各个细节或人物特性表现出来。下面小编来给大家说下优秀演员的表演技巧有哪些，希望大家喜欢。

　　优秀演员的表演技巧1

　　(1)——学会立壁角

　　生活中，一个人专注于某一样事情的时候，或者跟另一个人说话，经常会一动不动，或者仅在某些关键地方有所表示。舞台上，两个人说话，经常就东走西走，或者这里跨一小步，那里退一小步，这里拉拉衣服，那里摸摸头发，总之就是动个不停。

　　学会在舞台上，不要乱动。把所有的小动作去除。

　　这和支点是有点关系的。支点很少是不断运动的，至少有很长时间的静止。如果把人作为支点，那么作为支点的那个人，就更必须保持静止，不然整个舞台一片繁荣昌盛的景象，观众的注意力也会分散。

　　真的罚站估计比较困难，不妨做做军训，或者是木偶训练，增加大家对于肢体的控制力。另外，在舞台上，学会放松也非常有帮助。因为当演员在舞台上觉得手足无措会增加很多这些动作。结果是，越来越出戏。

　　(2)——语音语调

　　现在的戏剧只用一个语音语调来表现角色，特别是一些并不太好的剧本，更容易出现这种情况。

　　角色是一个活着的人，在不同人面前，不同的时间，会有不同的感情，会有不同的形象，那就需要用不同的语音语调来表现。一个角色，在整整一两个小时里面，都采用一种语音语调，这样的角色一定是失败，一定会让观众感到疲劳。这就是说，演员在演戏的时候，一定要把角色丰富起来，要让角色的每句话都有生命力。

　　我们可以随便找一段散文或者小说，要学会，让这段话的每一句都用不同的语音语调。

　　(3)——体验

　　演员要演好角色，最主要的问题就是体验和表现。除去专业所需要的语言功底不去说，如何体验和表现角色，是戏剧的两个必要课题。

　　专业演员和业余演员的区别并不是那么明显，经过一定训练的人，还是可以达到一定的专业水准的。

　　很多戏剧的演员的表演，体验，始终是一个问题。有些人很有表现力，但是仔细感受就知道，他的内心有多少东西，又有多少是和这个角色紧密联系的。绝大多数演员的习惯，包括很多很不错的演员就是，用自己的大脑去控制自己的语言和身体，入戏，是在于自己与别人的交流，体验到角色的内心，注意不是理解，是很难很累的。

　　体验，实在是一个很神秘的词汇。对于一个人来说，如何才能体验的别人的感受，甚至是一个虚构的人的感受呢?

　　一个是经历，个人的喜怒哀乐。一个人对于自己的喜怒哀乐才能够有真正的体验，这样的体验才有可能使自己在舞台变得自然，才有可能生活在舞台上。

　　一个是观察，观察别人的喜怒哀乐。与此相关的是，想象，想象别人的喜怒哀乐，想象别人在一定情景下的反应。

　　好的演员体验，更多的是理解角色和塑造角色的过程。然后，再在角色中倾入自己的感情，所以，在第一次演出的时候，你觉得他演得很精采，但是后期倾入感情的时候会需要一定时间，会有一定难度。

　　另一种表演方式，他通过自己的身体慢慢进入角色，他让自己变成角色，让角色成为自己身体的一部分，这样的演员比较慢热，一开始似乎离角色比较远，或者感觉表现力不够，但是，最后一旦入戏，便是浑然天成的表演。

　　两种方式各有利弊。仅就于体验来说，两种表演方式必然都有，只是前一种，以观察、想象为主;后一种，以经历为主。

　　(4)——声音台词的表现力

　　声音台词是话剧语言魅力的体现，需要很扎实的基本功。对于民间实验戏剧，我不一定提倡严格的基本功训练。但是，声音和台词的必要训练还是需要的。

　　除了之前说的不要一个语音语调的以外，在这里就需要比较详细的说一下：

　　1、大嗓门。声音太轻别说表现力，连听都听不见。这大多是因为在舞台上拉不下面子，那就用行为主义的疗法。声音不断放大，然后在不同地方都渐进做这样的练习。

　　2、口齿清晰。不一定要大珠小珠落玉盘，至少要让别人听清楚你说的是什么。这两点是非常基本的要求。

　　3、从单句到人物。这和一个语音语调有联系。人物的形象不是一个概念。而是靠每一个字，每一句话组合而成的。首先，要善于表现单句。这里，可以做做诸如说一百遍我爱你的练习。(一百遍太多至少十遍吧)。在不同的情形下，可以说不同的语气，语音，语调。经典的包括，哦，啊这种词汇。

　　4、句读、节奏。哪里重音，哪里停顿。哪里一泻千里，哪里一字一顿。

　　(5)——走入人物内心

　　真看、真听、真想，估计大多数受到话剧训练的人都听说过。这三句话，其实就是要走入人物内心。用自己的反应来反应，用内心的语言来说话。

　　我不相信，一个人可以用人物的反应来反应，因为人物根本摸不到，只有可能用自己的反应来反应。而在演出的时候，有两个你，一个是在生活，一个在演戏，演戏的那个你在控制着你的'行为。用自己的反应来反应，就是要用第一个你跟自己的对手，跟舞美做出恰当的反应。第二个，只是说，哭的时候，不能哇哇大哭哦，这样演出效果不好哦;要下场咯，不要忘记哦。

　　真看真听真想，就一定是将第一个你，真实地放在舞台上，而不是在演戏。别人说话，你有反应，别人动作，你有反应，你在不同的场景，看着不同的人，有着不同的眼神。这就是真看真听真想。

　　用内心的语言来说话。有很多导演要求演员写角色小传，这是了解人物的一个方法，如果说，你能够让第一个你，站在舞台上，那么你可以做到了真看真听真想，但，那是你自己，不是角色。如果要走入人物内心，那么你要带着人物的心，站在舞台上。

　　了解一个人很难，了解自己更难，要带着人物的心，站在舞台上，那是难上加难。人物，有着自己的爱恨情仇，有着自己的人生观，价值观，我们如何去了解一个人物呢?

　　一个人物，幸好不是一个生活，只是一个角色，只是剧本，我们看见的是一座冰山上的一角的一角，所幸的是，这一角，我们可以安在不同的冰山上。

　　演员创作人物角色，在这里，第一、需要自己的生活，第二、需要自己的灵性，同感的能力，或者说，想象力，第三、需要和导演交流，不断扩充角色的背景，以保证自己想象的人物，在导演的框架范围内。达到以上三点的戏就已经入门了，至少可以让人把一出戏看下来。但是，如果说要让人舒服，那就要更高的要求了。

　　优秀演员的表演技巧2

　　演员的表演技巧，这是很重要的欣赏部分。首先需要欣赏者熟悉表演技巧。就象旧时的中国人听京戏，其实戏迷们对每出戏早已背得滚瓜烂熟，自己都会哼，但还要不断地看，看什么？看的就是出场的角儿的技巧；也象西洋人看歌剧，看的也是演员的技巧；而要精湛地欣赏舞剧，也需要舞剧欣赏者长期积累舞蹈技巧的知识。不管是什么演员，钢琴演员也好，京剧演员也好，歌剧演员也好，欣赏他们的技巧说穿了就是欣赏他们的功底，欣赏他们的训练成果。

　　耐力，就是演员在台上的高难动作的持久性，造型的持久性，舞者的身体要象钉子钉于地面，象画布上的画，不可以颤抖，不可以松劲；145度以上控侧腿，前后侧控高抬腿，两腿呈一直线，芭蕾要立全脚尖，主力腿纹丝不动保持时间越长越说明演员曾经洒下无数的血泪汗水，纹丝不动便是舞者的劳动结晶；耐力得益于芭蕾的耐力训练。

　　弹跳力，演员要举止轻盈，起跳轻松，跳得高且自如，落地稳健，后劲长，不可以几个大跳后就如强驽之末，弹跳力得益于硬功夫中体能的训练和跳的训练。

　　柔韧度，即身体各部分的拉伸度、跨度，大跳需呈直线不可以含糊，踢紫金冠时舞者的眼睛要看到整个脚部甚至小腿，燕子翻身时要明显清晰地看到两条腿在空中交叉而过，柔韧度得益于毯子功的训练。

　　其他技巧，包括平转，演员每迈一步即身体进行一百八十度转向，要呈直线行进；鹞子翻身，演员要象转得象风车一样快；吸腿转二十三圈，脚尖不超过原位三个脚掌的距离，这就是世界顶尖水准了；前后空翻，徒手翻……这些都得益于转、跃、杂技的训练。芭蕾的吸、抬腿、起跳打击得益于软功夫里的立、蹲、控制的训练。

　　最后是中国古典舞的欣赏基要，古典舞包含着丰富的中国文化，中国舞的'任何动作必须是欲左右、欲上先下、欲前先后，这竟与欲擒故纵，蓄积力量、伺机待发不谋而合；中国舞每一步都脚跟先着地，而西洋舞则是脚尖先着地；中国舞要求膝盖紧闭，而西洋舞讲求膝盖外开；在我看来，中国舞在这一点上比西洋舞更能表现步步为营，胸有成竹。西洋舞追求的只是表面的优雅，而本质却是教条主义的产物，它诸多萦萦绕绕的规矩足可以反映西洋封建社会的自闭繁冗；而中国舞就没有那么多定义式的训戒，要求到这个动作表示什么那个动作表示什么，它是自由的，开阔的，这正是中国儒学的思维方式，开放式、发散式地思考问题；虽然中国舞不象西洋舞那样衣着华丽，但它却在用最奔放的飞翔般的速度、最极限的肢体跨度来表达最潇洒、最厚重、最不受束缚的思想精华：天、地、人合而为一。

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