在6月23日晚，微博流量爆炸，话题无非“创造101”总决赛和第29届金曲奖。比起“创造101”频频上热搜，金曲奖似乎并没有分走多大的流量蛋糕。
但它依然是华语乐坛最重要的音乐类奖项，没有之一。
与往年不同的是，这次我亲身来到了台北小巨蛋的现场。在现场，我感受到的东西，和电视上不太一样。
本土文化根源意识与现场观众的二重错乱
实际上，在台北的几天里，我几乎已经感受不到明显的娱乐文化差异。出租车里司机在看大陆系音乐综艺（好声音、歌手），西门町的街头放着吴亦凡的MV与万妮达的音乐，凌晨一点半的夜店里，男孩们在舞台上跳着《创造101》……
显而易见的感受是，大陆的输入几乎对台湾娱乐文化的入侵，就像多年前日韩流的入侵一样。少了语言的阻隔，豁然贯通毫无障碍。
于是，在金曲奖的颁奖名单中，可以明显感受到金曲奖评审对台湾本土文化的倾向。
这指的当然不是大陆音乐人仅有宋冬野的《郭源潮》获奖。
而是整个评奖的取向，倾向于鼓励台湾本土根源音乐。这不仅仅体现在颁奖致辞、介绍语中不断地强调台湾本土文化的独特性与本位性，更体现在评奖上。
除了四大通类奖项（最佳男歌手，最佳女歌手，最佳国语专辑，年度专辑）外，年度歌曲奖、最佳新人奖都选择了本土意识极为浓厚、融合了当地语言与文化的得奖者。例如茄子蛋，就是一个意识上极为台湾local的团体。
同时，在语言方面，金曲奖分为客语、原住民语、台语、国语四个种类的奖项。理论上前三者都会带有更多的本土文化根源意识，只有国语部分，相对而言代表的是普遍性的流行文化。但在现场，前三个语种的颁奖过程中，观众几乎全场冷漠滑手机。
而最强烈的“台湾本位意识”的冲突感来自一个名为“台湾早就有嘻哈”的表演。在表演前介绍者甚至反复声称，台湾才是中国嘻哈的发源地。其意义，正如前面所提到的，或许就意在对抗在台湾年轻群体中极为红火的“中国有嘻哈”，以声明自己的正统发源地位，来树立文化自信。
但结果显然如韩国申遗一般不堪一击的，反而更凸显他们面对大陆文化的侵略性时的焦虑与恐慌。
对年轻一代的鼓励
本次金曲奖，陈珊妮贡献了一段极富感性与哲理的引言，引出了一段本次金曲奖最震撼人心的表演。只不过，表演者是来自韩国的HYUKOH。
陈珊妮的引言摘录如下：
前陣子看到一個很熱血的新聞,關於偏鄉小學的單車環島畢業旅行,記者訪問其中一位同學的感想時,她說:因為想做些以後沒有機會做的事。我心想,為什麼以後就沒機會了呢? 我認識過一個吉他手,在大學畢業前夕對我說：我的搖滾生涯結束了,我心想:為什麼大學畢業就不能再玩搖滾了呢? 但我也聽過另一種故事,我的朋友玩音樂,他的老母親某天在電台聽到皇后合唱團的歌,打電話問他說：皇后合唱團是誰?他們的音樂太好聽了。她不知道當時主唱Freddie Mercury已經過世一陣子了,老母親從此瘋狂迷上皇后合唱團,在她人生的最後幾年,他們開始聊音樂,皇后合唱團為他母親的晚年帶來許多快樂。
我做獨立音樂也製作主流唱片,在音樂圈我一直覺得自己是個資深的局外人,但這個角色給我清晰獨特的視野。金曲獎希望我來談關於流行音樂如何走向未來,我想說的是：
”我們需要不斷的重新定義流行音樂 ! “
在我出道的年代長髮男生刺青玩搖滾,嘻哈饒舌穿洞,就連女性音樂從業人員都還是少數,時間拉回這個世代--我現在講了(大約一分二十秒)的畫面被放在網路上觀看都顯得冗長時,Andy Warhol的成名15分鐘變成15秒,你會發現我們連時間感都回不去了。當網路社群和電商平台,正在改變一整個世代的行為模式,你是從什麼時候開始覺得自己不能被改變了呢? 這個問題的答案會帶著台灣的流行音樂走向更有趣的未來。
去年底我一個人飛到首爾看了一場特別的演唱會,那只是他們連開12場中型四面台演出的其中一場。這個樂團他們不遵循韓國流行音樂的成功法則,他們用不同的音樂形式和當代美學,以獨立廠牌的獨立樂團之姿,將次文化翻轉成為主流,帶領韓國流行音樂抵達不一樣的未來—他們是Hyukoh。
本次金曲奖主题为“未来ing”，还鲜有地奉上了几位新人的集体演出，多少可以感受到金曲奖对于新人的不吝鼓励。尽管他们的曲风并没有所谓“本土+现代”的融合，要么就是芭乐、民谣，要么就是全盘西化的R&B。倒是来自韩国的HYUKOH，向全场观众展示了一个更为国际化与个人特色的融合，蒙古长调元素的简约旋律不断盘旋在令人着迷的吉他琵音中，如祭祀咒语一般，全场都被他们化成了一个民族与现代性摇滚交融的祭坛。倒是全体华语演出在格局上，都显得那么相形见绌。当我们只剩下vocal与情怀可以展示时，在格局上就是输了。
回到陈珊妮所说的，”我們需要不斷的重新定義流行音樂 ! “，但我们有多少年的新人还陷在对2000年前后的模仿复刻之中呢？美其名曰复古，实际上就是创作力匮乏的表现。
可能如今台湾的新人中，只有草东等乐队走在了一条真正有原创思维与文化表达欲望的路上。
大赢家徐佳莹、陈奕迅，都是将原创流行音乐探索得相对成功的角色
《心里学》代表徐佳莹的艺术人格彻底跨入了新的阶段——我们开始接受她更加多元、更加脆弱甚至更加阴暗而有力的情感表述。这张专辑以情感的疗愈和救赎为主题，搭载了徐佳莹出道以来最丰满的制作与音乐元素。
她把抒情做出了新意。《言不由衷》的治愈气息仿佛从茫茫宇宙飘来，《灰色》把福音般光明的通天之路唱进黑白相依的爱情之中，《到此为止》则用层层压制的编曲把情感中的折磨怨恨彻底撕裂成一团泪水。三首抒情之下，“徐佳莹”三个字所代表的个性，那种坚韧、倔强、敏感、不顾一切的人格画像，前所未有地有力，前所未有的清晰。
她也把其他曲风玩出了花样。一盘元素大杂烩覆盖了抒情、Trip-hop、电子舞曲、摇滚、Disco、Funk、R&B……是她最激进的一次风格尝试，演绎效果可圈可点。《现在不跳舞要干嘛》的Disco节拍把轻佻的享乐主义演绎得极为自然，《大头仔》用复古R&B与Motown气息组合成一副温暖乐观的画面，使专辑在经历了一片亮色后，理所当然地回归结尾的招牌深夜自省环节，构成一个完整的情绪轮回。
或许会有人批评这张专辑的曲风兼容度问题，或是部分曲目的缺憾。但就整张唱片的价值而言，它的大胆进取代表着徐佳莹的艺术人格成长的一个重要里程碑。
陈奕迅呢？在《C’mon in～》这张专辑中，陈奕迅丝毫没有顾及国语市场对他的抒情刻板印象，而是微笑地递出了一片凉风吹拂的沙滩，一股抚慰人心的暖意。
唱片概念相当完整，用部分曲子中极为简洁明了的Funk／Disco与令人会心一笑的摇摆律动，画出了这张专辑最具标志性的松弛底色。告别了挖心掏肺的苦情之后，他全程把音乐维持在一种平衡舒适的轻松氛围之中，在合成器音色选取上以复古松快为主，Hook调皮而欢快，极少有锐利和重型的表达。就像开场曲《放》中所唱，“想慵懒就慵懒，谁管得着，多好。放下负担，为所欲为你说的算”，也像《海胆》中描绘的那个经受了深夜孤寂、拖酒瓶哭整晚的男子一样，嬉笑怒骂自嘲间，早已心软融化。
在一幕幕故事中，苦大仇深被悉数扫除，就连另一半抒情也伴随着剪月光的诗意、伴随着随风飘荡的衣摆，生活化的浪漫随着时间流动，一切终将过去。这是他送给绑缚过久的都市人的一缕关切，是“忧虑不过一笑之间，放下即可解脱”的智慧之言。
二人的得奖是实至名归的。
对大陆文化“入侵”的恐慌，对年轻一代的鼓励却后继乏力，原因为何？
说是资本转动世界，可能太过粗暴，但事实却总是差不太多。
台湾本身的文化是有原创力量的，但这种原创力量是轻量级的，足以锦上添花，难以转动大局。
大陆是靠着资本热钱的涌入，与在互联网时代商业模式创新的路上不断推陈出新的典型。缺少创意那就买创意（创造101），然后做大。台湾在这一点上已然有着显著的失落感。
举个例子，就是此次金曲奖的artwork设计，融入插画元素，做的极为别致。
但质量堪忧的转播质量，相对陈旧的商业模式（依靠大量广告时间，极为影响体验，在现场坐了五小时整个想死，最后颁大奖时人走了快一半），使金曲奖的影响力虽然仍旧首屈一指，却随着守旧的惯性逐渐下坡。
插播几个现场观感与转播观感上可能存在的差异：
现场音响效果合格，是个很不错的演唱会配置。但是转播的调音太可怕了。
谭维维与A-Lin的合唱，现场是谭维维的音量、声压完全碾压的。但转播里A-Lin的音量压倒性。
林俊杰除了演唱呈现几乎完美外，伴奏乐队也很用心，气势恢宏。转播里效果有限。
所谓创新，停留在小而美，同样是另一种守旧。当所谓的吸引力要不断地重申所谓“根源”与“底蕴”时，无异于一滩自欺欺人的死水。
我不希望金曲奖最后大家只是看个热闹。它应该是风向标，指引文化的出口，通往未来的方向。但如今，它满是焦虑的表象下，或许也蕴藏着新的生机。
THE END
作者：木一
编辑：洗澡返回搜狐，查看更多
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